Comiquero

En este siglo XXI, en una época en donde los medios audiovisuales tienen auténticamente copada a toda la sociedad, y en donde los mensajes se han tenido que volver más breves y sencillos, de forma que puedan ser asimilados por receptores que cada vez cuentan con menos tiempo, han tenido que valerse de una nueva forma de lenguaje. Las imágenes, ya sea en forma estática o en movimiento, se han vuelto los códigos más usuales, en especial porque tienen un grado de universalidad que muy pocos medios tienen, y que se tornan indispensables en un mundo globalizado. Lo cierto es que el cine, los comics y las animaciones se han tornado una herramienta que no debemos de dejar pasar, y que debemos de ver no sólo como algo que consumimos, sino también algo de lo que podemos valernos también.

Generalmente, el hecho de ser lectores de comics nos da una cierta ventaja en lo que respecta a nuestro modo de apreciar las cosas, y es la capacidad de pensar en imagen. Uno no sólo puede prefigurarse una acción, sino que puede interpretar la secuencia de viñetas, el significado de cada una de ellas y el valor que tiene dentro del conjunto. Aún así, por más que estemos acostumbrados a su lectura, en el momento en que buscamos pasar una idea a este lenguaje, ya sea como guionistas o dibujantes, nos plantea un reto muy importante. La cuestión aquí no es sólo pensar en imagen, algo que ya vimos que podemos hacer de una u otra forma, sino irnos haciendo de las habilidades para narrar con las mismas.

Si bien una vez que se tiene experiencia, las imágenes surgen prácticamente sobre la marcha, cuando se inicia uno, tiene que valerse de ciertas mañas para ir acostumbrando a la mente. Y de nuevo, el cine será una de nuestras principales herramientas para ello. Primero que nada, se tiene que elaborar una línea narrativa de la historia, con las acciones principales y los personajes esenciales. Una vez terminado esto, se hace una lista de las locaciones, esto es, los escenarios en donde las acciones se desarrollarán. Obviamente, la enorme ventaja que se tiene ante el guión cinematográfico, es que no hay limitaciones entre distancia y cantidad de las mismas. Una vez hecho esto, se tomará cada “locación” y se desarrollará por separado, que si bien se tiene que tener en mente que cada uno de ellas tiene que corresponderse con la anterior y posterior, se tendrán que trabajar cada una de forma completamente independiente, tratando de imaginarnos las acciones en una pantalla. De esta forma, puede uno incluso tener una idea muy clara del tipo de tomas que uno desea tener.

Un aspecto que debe cuidarse en este sentido, es tener muy claras las relaciones de espacio de cada personaje. En un cuento, uno puede simplemente mencionar que se encuentran cuatro hombres en una habitación, pero cuando se hace historieta, estos detalles tienen que ser muy cuidados. Obviamente, cuando éstos detalles son necesarios para la acción. Si nuestro personaje entra en una fiesta, no tenemos que describir a cada uno de los asistentes. Pero si por el contrario, tiene que encontrarse a una determinada mujer en la puerta, debemos de dejar en claro la posición de la misma en la viñeta, incluso si el protagonista va a encontrarse con ella hasta dos cuadros después.

Obviamente, debemos de recordar que el dibujante tiene también que tener un cierto margen de creatividad, por lo que detallar exageradamente ciertas escenas puede ser molesto para el mismo. Sin embargo, eso no significa que no nos tomemos la molestia de detallar cada viñeta en la mente mientras redactamos la historia. En más de una ocasión, el comparar las diferencias entre como concebimos una escena y cómo la representó el dibujante tiene un encanto increíble. Si tú eres el guionista y el dibujante al mismo tiempo, eso puede darte una cierta ventaja, pero aún así, es muy necesario que tengas las imágenes bien definidas

Un ejercicio muy útil es imaginarte la totalidad de la escena, así sea que la uses o no. Por ejemplo, piensa como es la habitación, que muebles tiene, donde están las ventanas, etc., incluso si sólo vas a usar un cuadro del mismo. Eso te será muy útil para saber de donde viene tu luz, y darle a tu escena las sombras que van a requerir.

Una vez que ya has logrado hacerte una idea de lo que van a ser las diversas escenas, es cuando llega el momento de ponerlas en secuencia. Muchas veces los dibujantes – o los guionistas – más nuevos suelen darle más importancia a la viñeta en sí que a la secuencia que va a existir entre ellas. Recuerda que estás ante todo narrando una historia, por lo que resulta tan importante el qué es lo que estás queriendo decir como el orden en que piensas volcarlo dentro de su historia. Para ello, necesitas comprender lo que se llama distribución de página.

La llamada distribución simétrica es la más sencilla, pues en ella se divide la página en cuadros del mismo tamaño, de modo que la lectura va de izquierda a derecha y de arriba a abajo, sin ninguna complicación. Sin embargo, aunque es la más sencilla de trabajar, tiende a ser demasiado estática. Por ello, su uso se limita casi exclusivamente al humor de caracteres o a la tira, e incluso en éstas ha existido cierta experimentación. Si apenas estás empezando, es una buena idea que hagas un boceto sencillo de tu historieta con una distribución simétrica, para darte una idea de las secuencias. Una vez que las tengas claras. Ya podrás irlas variando de acuerdo a tu propio ritmo visual.

Un aspecto básico al diseñar una página con distribución asimétrica – con mucho la más común – es vigilar el ritmo de la acción, y ajustar el ritmo visual a lo que se quiere sugerir. Las viñetas deben apartarse de la construcción tradicional, pero tienen que ser lo suficientemente coherente como para que el lector pueda seguir el sentido de las mismas. En ese sentido, conviene consultar el inserto anterior, en donde se previene sobre el abuso de la experimentación.

Una sucesión de viñetas que siguen una dirección específica dentro de la página, sirve para remarcar un determinado movimiento, o enfatizar una determinada toma. En esos casos, sin embargo, conviene decidir con exactitud cuales serán esas acciones, pues dotar a todas las páginas de una composición demasiado dinámica puede hacer la lectura demasiado confusa. Si la narración tiene un movimiento excesivo, que exige que todas las páginas sean demasiado dinámicas, en tal caso conviene hablar muy seriamente con el argumentista.

Un elemento que debemos de considerar también es la relación de las cajas entre si. Una sola imagen, por ejemplo, puede estar dividida en dos viñetas, lo cual sugiere un movimiento exageradamente rápido. Por otro lado, si un globo invade de forma consciente la siguiente viñeta, puede tener un peso simbólico enorme, dependiendo de la acción, que iría desde una conversación demasiado abrumadora hasta, si se utilizan globos de pensamiento, una idea obsesiva que no abandona al protagonista en ningún momento. Esto es sólo para que lo tomes como ejemplo, pues tú tendrás que decidir que tanto juego le darás a tus imágenes.